Bodas de sangre de Federico García LOrca

Es la primera obra de una trilogía: Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba.

Las tragedias de Lorca se ajustan al esquema de las tragedias griegas clásicas, coincidiendo en este caso su estructura con la división interna en 3 actos, pero son diferentes porque no respetan la unidad de tiempo y lugar según el esquema de Aristóteles.

Bodas de sangre es una tragedia rural basada en hechos reales (un asesinato cometido en el pueblo de Níjar en Almería) y marcada por temas cuales la pasión, los celos, el odio, el despecho y la venganza, el arraigo a la tierra, el honor de la familia y del hombre, las supersticiones, el dolor y el sufrimiento y la sumisión de las mujeres. Estas están sumisas antes al padre, después al marido, y también, cuando viudas, a las restricciones sociales de un entorno atrasado y que les oprimía en todos los sentidos. Una viuda era una mujer muerta. Las bodas eran sine amor y por conveniencia y desvelan la situación social de la España en el siglo XX, pero podemos encontrar correspondencia con situaciones similares in otros lugares del mundo también de hoy y por eso son actuales.

García Lorca es sólito en sus obras recurrir al simbolismo y también en esta. En las descripción de los actos y de los cuadros hay colores y objectos que son símbolos. El color amarillo  es presagio de muerte y el rojo de sangre, el rosa de tragedia inminente, de fragilidad y vulnerabilidad, del contraste entre la inocencia y la realidad cruel de la vida.
La cruz es símbolo del sacrificio y del sufrimiento.
El cuchillo es el símbolo de la tragedia, el blanco de la pureza y  la madeja  simboliza el hilo de la vida que, junto al color rojo, anuncia la tragedia.
La luna desvela los misterios de la noche y anticipa la tragedia, la mendiga representa la muerte, el caballo  la pasión, la Tierra la madre, el leñador encarna la luna y la muerte porque es aquél que siega el ciclo vital, que destruye la obra de la naturaleza.

Los personajes no tienen nombre, porque representan todas la personas en el mundo y todo el mundo puede identificarse  en ellos.

En el primer acto está la presentación del conflicto entre el novio y Leonardo y de los hilos de la acción dramática. En el segundo acto se encuentra el desarrollo y el alcance del clímax en la tragedia y, por último, en el tercer acto, la conclusión y la resolución irreversible del conflicto.

El autor alterna prosa e poesía y se revela poeta lirico utilizando  un lenguaje fluido, poético especialmente en las canciones de cuna y en el cuadro del bosque y de la luna. Las frases son cortas y expresas sin ampulosidad retórica. Bodas de Sangre nos presenta un tono trágico y las palabras habituales están cargadas de una intensa tensión emotiva también por el fuerte carácter de los personajes que las pronuncian.
Federico García Lorca cree en el destino, una fuerza exterior que pesa sobre la vida de la humanidad, que condiciona los personajes de sus obras y siempre marca sus vida hasta la muerte. La presencia del destino influye sobre el curso de los eventos y aquí podemos ver la influencia de las antiguas tragedias griegas,  donde la "μοῖρα", el hado se cernía trágicamente, oprimiendo y determinando el curso de la vida y las elecciones de los personajes, una clase de  determinismo biológico. Esto está muy visible en la madre que pierde sus maridos y sus hijos por mano de uno de los Felix  y dice a la fin de la obra “A medianoche dormiré, dormiré sin que ya me aterren las escopetas o el cuchillo”. La fuerza y el poder del destino marcan una firme influencia sobre los escritores posteriores a su generación. Por otra parte, el aspecto fatalista de la tragedia encarnada en el personaje de la madre se vincula con la actitud de algunos autores posrománticos europeos.

El asesinato de Níjar a inspirado también otro escritor, Carmen de Burgos con la obra El puñal  de claveles, pero las dos obras tienen perspectivas diferentes porque De Burgos presenta una perspectiva feminista y queda a las personajes un futuro porque ellos se rebelan, Lorca presenta, como hemos visto, una perspectiva machistas y patriarcal y los personajes se quedan víctimas del hado.


La  tragedia fue representada por la primera vez el 8 de marzo del 1933 al teatro  Beatriz de Madrid y después in otros teatros, en Italia el 4 de mayo del 1939.
Está una versión por la radio en Italia del 1960. En el 1974 Antonio Gades realizó un  ballet en Roma, en el teatro Olímpico el 2 de abril y en el 1981 apareció la primera película. Ms famosas son las realizadas por el director Edmundo Guibourd y titulada  Bodas de sangre y La novia por la directora Paula Ortiz en el 2015.

"El teatro es una de las herramientas más eficaces y útiles para la construcción de un país, el barómetro que registra su grandeza o decadencia. Un teatro consciente y bien orientado en todos los niveles, desde la tragedia hasta el vodevil, puede transformar en pocos años la sensibilidad del pueblo." "El teatro es una escuela de lágrimas y risas, una tribuna libre desde la cual se pueden defender moralidades viejas o ambiguas, así como también se pueden poner de manifiesto, a través de ejemplos vivos, las leyes eternas del corazón y los sentimientos humanos." Gabriel García Lorca

http://www.teche.rai.it/2015/08/le-nozze-di-sangue-di-federico-garcia-lorca/





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La tragedia nace en Grecia a partir de la evolución del ditirambo, un rito popular compuesto de música, baile y cantos dedicados al dios Dioniso. Los espectáculos eran gratuitos y muy concurridos, y siguieron siéndolo incluso durante las Grandes Dionisias, otras grandes festividades en honor a Dioniso. Al final de las celebraciones, durante los últimos tres días, se representaban las tragedias. Había una competencia entre tres trágicos, cada uno presentando una tetralogía compuesta por tres tragedias y un drama satírico. Un jurado asignaba y asignaba un premio al ganador.
Desafortunadamente, permanecen pocas tragedias y todas son de los tres grandes trágicos: Esquilo, Sófocles y Eurípides, que siguen siendo representadas con éxito y participación en los teatros griegos y del sur de Italia, la antigua Magna Grecia, y en los teatros de todo el mundo.
El teatro donde se representaban las tragedias era al aire libre y estaba formado por dos espacios semicirculares que aprovechaban la composición y el desnivel del terreno. En uno de ellos estaba la cavea, Καβέα, la parte con gradas donde se sentaba el público, y en el otro estaba la orquesta, ὀρχήστρα, donde en el centro se encontraba el altar de Dioniso y la skené, Σκηνή, donde los actores se cambiaban. El coro entraba por los parodoi Πάροδοι, dos entradas laterales a ambos lados de la orquesta. Los coristas eran llamados coreutas χορευταί. Los actores eran solo hombres disfrazados, ya que estaba prohibido que las mujeres actuaran.
La tragedia estaba compuesta por:
• El prólogo, Πρόλογος, donde se presentaban los antecedentes.
• El párodos, Πάροδος, que era el canto de entrada del coro.
• Los episodios Ἔπη, que constituían la parte principal de la tragedia. Eran escenas en las que los actores interactuaban entre sí, desarrollando la trama y el conflicto dramático. Los episodios incluían diálogos, monólogos y acciones.
• El coro Χορός, que desempeñaba un papel fundamental en la tragedia. Estaba compuesto por un grupo de actores-cantantes, los coreutas χορευταί, y representaba un elemento colectivo que comentaba los eventos de la historia, expresando emociones, opiniones y ofreciendo consejos. Los coros estaban acompañados por cantos y danzas coreografiadas y estaban formados por estásimos Στάσιμον, cuyo último se llamaba  éxodo ἔξοδος.
El coro representaba con sus lamentos y cantos la opinión pública. La tragedia griega trata de eventos dolorosos y trágicos, donde los personajes son importantes como reyes, reinas y héroes, que están relacionados con el mito. El estilo es elevado y el tono, dramático. Siempre termina con muertes y lutos. El teatro tenía una función pedagógica y tenía como finalidad la catarsis Κάθαρσις, es decir, la purificación y el respeto hacia la religión, las instituciones y el destino.
La tragedia decae en la Edad Media debido a la influencia ejercida por la iglesia, que llega a excomulgar a los actores considerados obscenos. En este período, las representaciones sagradas tienen predominio y eran representadas no en el teatro, sino en los atrios de las iglesias o en las plazas. Los temas eran principalmente religiosos, como en el famoso Stabat Mater, que aún se canta en algunos ritos de la  iglesia católica. También había espectáculos a cargo de los bufones.
En el Renacimiento se produce un resurgimiento del teatro con la Comedia del arte, sus máscaras como  Polichinela, Arlequín y Colombina. Sin embargo, no había un texto escrito sino solo un esquema, una trama básica que los actores seguían improvisando.
El teatro moderno se desarrolla en Europa en el siglo XVII con Corneille y Racine en Francia, y en Inglaterra con Shakespeare.
En el siglo XVIII se difunde el drama pastoral o melodrama, que será importante desde el punto de vista artístico para la música, y aquí Italia se destaca. En Italia, como trágico, se encuentra Vittorio Alfieri, cuyas tragedias tenían personajes históricos.
En el siglo XX, el teatro cambia y en las tragedias se vuelve central la relación entre el autor y las influencias sociales y reales. En el teatro moderno, los personajes ya no son importantes como en la tragedia griega, sino son reales, hombres y mujeres comunes, y prevalece la lucha contra un destino siempre presente, que atañe sobre los personajes  y los problemas derivados de las influencias sociales.